Superviviente de una generación irrepetible, en su trayectoria reúne la herencia de la danza expresionista alemana y el teatro-danza contemporáneo. Se formó en Ber- lín con Mary Wigman, pionera de la danza expresionista. Y de 1970 a 1973 formó parte del Folkwang Tanzstudio con Pina Bausch, al tiempo que comenzaba a crear sus primeras coreografías.

En pocos años alcanzó reconocimiento internacional por sus solos, entre los que se encontraba Im Bade wannen, y recorrió Europa, Australia, América e India con diferen- tes piezas coreográ cas. Durante casi 10 años, y hasta el verano de 1985, encabezó el Folkwang Tanzstudio. Y desde entonces ha creado varias compañías sin cesar de inves- tigar, convirtiéndose en una de las grandes in uencias de la danza actual. Sus coreo- grafías han abierto mentes, han cambiado miradas y han surcado caminos en la danza. Susanne ha sido una de las fundadoras y directora artística del Centro Coreográ co de Essen. Y desde 2001 continúa en activo como coreógrafa independiente para la Ópera de París, la Limon Dance Company de Nueva York o el Aalto Theater Essen, entre otros. En 2007 Susanne Linke recibió el galardón German Danze Prize como reconocimiento

a sus méritos. Y un año más tarde fue nombrada O cial de la Orden de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura de Francia. 

Fue la mano derecha del mítico bailarín y coreógrafo Merce Cunnin- gham en sus últimos años. Y sus pies cuando éste ya no caminaba. Con sensibilidad y decisión le ayudó a llevar a cabo sus últimas obras, dirigió su Fundación y estructuró Legacy Plan para asegurar la supervivencia de su legado coreográ co. Además, fue el artí ce de que Merce creara sus últimas piezas con la colaboración de Radiohead, Sigur Rós, Richard Hamilton, Olafur Eliasson, Ernesto Neto o Tacita Dean. 

Dr. Kurogo al que se le ha visto moverse, bailar y hacer ruidos con guitarras, máquinas y sintetizadores en lugares tan dispares como O Limits (Madrid), Teatre Lliure (Barcelona), Something Raw Festival (Amsterdam), Tanz im August (Berlín) o Teatro Pradillo (Madrid). 

Calderoni huye de las categorías, incluso de las artísticas, y explora sus límites apoyándose en la danza, el videoarte,
la música de The Smiths, Vampire Weekend o Yeah Yeah Yeahs y textos de literatura queer como la columna El Feminismo no es un Humanismo, rmada por Paul B. Preciado en el periódico Libération. En ella dice: “El cambio necesario es tan profundo que se dice que es imposible. Tan profundo que se dice que es imaginable. Pero lo imposible está por venir. Y lo imaginable es merecido”. 

Sylvain Huc descubrió la danza contemporánea tras estudiar en la universidad Historia e Historia del Arte. Al nalizar su último ensayo académico en 2003 sobre “bestialidad, salvajismo y sexualidad femenina en la Grecia clásica”, se unió al Centro de Desarrollo Coreográ co de Toulouse, conoció al coreógrafo Marco Berrettini y actuó en su pieza Old Movements for New Bodies. A partir de este momento, como si
de una revelación mística se tratara, Sylvain se volcó en la danza colaborando con varias compañías. En 2010 empezó a crear sus propias coreografías asociado con la Compañía Divergences y, cuatro años más tarde, se convirtió en su director artístico. Desde entonces, además de interpretar y coreogra ar, Sylvain Huc dirige workshops en universidades e instituciones psiquiátricas. Como resultado de uno de sus talleres con estudiantes varones de la Universitè Jean Jaurès de Toulouse nació Gameboy. Fue en marzo de 2016, y Sylvain tenía la clara intención de que esta obra fuera evolucionando en cada ciudad que se representara. 

Aitor Saraiba es uno de los creadores más representativos y personales del último boom de la ilustración española. Con su característico trazo suelto, que combina la expresividad de la línea con el uso del color, da vida a los personajes imaginarios de una mitología creada por
él. Sanador de almas inquietas, sus historias autobiográ cas se instalan en el epicentro de
las emociones del niño que habita en cada uno de nosotros. Aitor contempla lo cotidiano y lo transforma en dibujos, pinturas, novelas grá cas, poemarios, libros infantiles, fotografías, crea- ciones de cerámica y arte de acción. Aitor se agacha para hablarle al oído a nuestro corazón. 

Gameboy ofrece la oportunidad de preguntarnos a nosotros mismos cómo pensamos sobre la masculinidad, su carne, su piel y su presencia.
En el escenario diez hombres se encuentran a sí mismos. Muestran su cuerpo mascu- lino repleto de deseo, adicción, frenesí, tensión, abandono o monstruosidad. Cuestio- nan la imagen, representación, deconstrucción y plasticidad del cuerpo masculino. Tratan de abrir un espacio donde hablar de ellos mismos y su condición, intentando resolver el problema con sus cuerpos. Syvain Huc recurre a esta frase de la escritora Virgine Despentes para iniciar su investigación: “los hombres aman hablar de mujeres porque eso les evita hablar de ellos”. Por eso, en Gameboy, son los hombres los que relatan su absoluta singularidad y los roles a los que están sometidos, mostrando su fortaleza o debilidad. 

Ray Lee es un artista y compositor inglés reconocido en todo el mundo por sus inno- vadoras aportaciones al arte sonoro durante los últimos 25 años. Galardones como el Premio al Mejor Compositor Británico de Arte Sonoro en 2012 o la Mención de Honor en los Prix Arts Electronica en 2008 avalan su trayectoria.

Sus proyectos abrazan la performance musical y la instalación artística. Sus obras exploran las fuerzas invisibles que nos rodean trasladando al espectador a un estado lisérgico donde experimentar con los sentidos. 

Después de haber conquistado YouTube en solitario con decenas de temas y haber girado con su grupo Pxxr Gvng por Latinoamérica, con varios sold out a sus espaldas, Khaled se ha consolidado como uno de los mayores exponentes del trap en España. A este nuevo estilo musical, derivado del rap, Khaled imprime el pulso de la calle que habita.

Jalid Rodríguez Saoud, alias Khaled, nació en 1990 en el barrio granadino del Albai- cín. De padre onubense y madre tangerina, creció escuchando a grandes del amenco como Camarón, el Torta o Duquende y a intérpretes marroquíes de música raï como Cheb Mimoun. Comenzó a rapear como miembro del grupo Kefta Boys en Granada y del Albaicín se mudó al barcelonés barrio del Raval. Junto a Yung Beef, pionero del trap en España, Kaydy Cain y Steven Lean crearon el colectivo Pxxr Gvng.

En 2016 Khaled rodó una veintena de videoclips y colaboró con artistas como Cookin Soul, 808Ma a, Chanel, Steve Lean, BadGyal, Trapani o Ms Nina.
Khaled necesita la palabra para a rmarse. En castellano y árabe, sus temas nacen impregnados de la riqueza cultural más underground del amenco, la música marroquí y el rap. Y sus letras, repletas de historias de calle, realidad de aduanas, días sin trabajo, drogas, respeto por las raíces y cultura de barrio, han conseguido sacudir las redes y

los escenarios. Porque el canto de Khaled nace del orgullo y la identidad. Y ver cómo lo de ende es impregnarse de su losofía de vida. 

Se de nen como:

“Avatar doble a rmación, doble check, √ √ ??
Manic-pixie-dream-IT-girl, Suicide-IT-girl, Emo start-up, Neoliberal RPG Character de corazón OPENCORE, level{Globalove;}.
Habla código binario con total uidez
aunque está más allá de todo dualismo;
Todo es ¥€$ ?
Si”.
Sus sesiones se ajustan perfectamente a esta descripción. 

¿Cómo es posible representar con niños la historia del criminal que conmocionó a Bél- gica, y al mundo entero, en 1996?

Hace cien años, Igor Stravinski escribió Five Easy Pieces para enseñar a sus hijos a tocar el piano. Con Seven Easy Pieces, Marina Abramovic llevó a cabo algunos de los momentos más icónicos de la historia de la performance. Ahora, Milo Rau junto a CAMPO, Centro de Arte de Gante, ha utilizado la biografía del mayor criminal belga para dibujar una breve historia del país, desde la declaración de Independencia del Congo hasta la manifestación de la Marcha Blanca, y tomarlo como punto de partida para re exionar sobre la (re)presentación de los sentimientos humanos en el escena- rio. Para ello ha generado un ambicioso proyecto que involucra a chavales entre 8 y 13 años donde aborda los límites de lo que los niños saben, sienten y hacen.

“Al crear Five Easy Pieces queríamos mostrar algo que la gente no quiere ver de los niños. Una representación teatral infantil arriesgada, sin precedentes y prácticamente imposible”, Milo Rau.

Los jóvenes actores adoptan varios roles: un o cial de policía, el padre de Marc Dutroux, una de las víctimas, o los padres de una niña asesinada por Dutroux. Las cuestiones puramente estéticas y teatrales se mezclan con problemas morales: cómo pueden los niños entender el signi cado real de la empatía, la pérdida, la edad adulta, la desilusión, la rebelión y la sumisión. Y cómo reaccionamos nosotros al verlos representando escenas de violencia, amor y romance. Esto nos lleva a una experiencia con ictiva interior que lucha con nuestros propios miedos y deseos. 

La transgresión, el descaro, la erótica, el humor y la ambigüedad son territorios que la artista alemana Bridge Markland atraviesa con decisión. Actriz y cantante, saca a relu- cir los mundos de cada género sobre el escenario y los cuestiona de manera provocativa. Presenta cuatro de los montajes que han recibido las mejores críticas en Berlín, Nueva York y Londres: The most beautiful Woman in the World, Sweet Dreams, Karl y The Russian Striptease. 

Co-Lapso está formado por:
Elihú Vázquez. Miembro fundador de la famosa formación Arcopom. Ganó el Doble KO 2013 y ha representado internacionalmente a España en el Dream Team Spain. Actual- mente es bailarín y acróbata en Cirque Eloize.
Miguel Mateos es integrante del grupo Malaganzters. A los 15 años fue selecciona-
do para participar en las nales nacionales del Red Bull BC ONE Spain 2011. Desde entonces ha conquistado el reconocimiento nacional e internacional. Está a punto de graduarse en Historia del Arte por la Universidad de Málaga.
Miguel Ballarín. Graduado en Filosofía por la UCM y Máster en Estudios Avanzados de Filosofía. Es bailarín profesional especializado en b-boying, krump, contemporáneo, house y acrobacia. Primer premio del I Concurso de Poesía Diversidad Literaria 2015, colabo- rador en la sección de Política en el medio digital La Grieta y en la sección de Feminismo en el periódico online El Cotidiano. Además es miembro fundador de la start-up Kinequo de deportes urbanos.
Juan de la Torre es abogado de profesión, ganador de la Doble KO Internacional 2012 y tres veces consecutivas campeón del Red Bull BC ONE Spain (2013, 2014, 2015). Inte- grante del grupo Arcopom y ganador de mejor show en BOTY 2015 y Eurobattle 2014. 

La cooperación, tecnología y una búsqueda constante de lo nuevo y lo desconocido fueron los hitos que marcaron la visión de Merce Cunningham como artista. Una de esas innovaciones fue el uso de DanceForms, un software de animación para danza que Cunningham utilizó como herramienta coreográ ca. 

Steven Cohen es un artista de performance surafricano cuya mirada y acción se cen- tran en lo marginal de la sociedad, comenzando con su propia identidad como hombre gay y judío. Con un vestuario escultórico y repleto de signi cado diseñado por él, realiza sus intervenciones en el espacio público, galerías de arte o teatros de medio mundo. Una de sus actuaciones más conocidas es Chandelier, en la que Cohen interactuó con los residentes de un campamento ilegal en Newtown, Johannesburgo, vestido con un tutú de lámpara de araña y subido a unos vertiginosos tacones. El trabajo fue documen- tado en vídeo y presentado en el Centre Pompidou de París, Holanda e Inglaterra. Steven viene a Madrid a impartir el taller Body Scenography dentro del marco de actividades del Foro Mundial sobre las violencias urbanas y educación para la convivencia y la paz. 

El Palomar es un contexto de trabajo, un posicionamiento político y un replanteamiento institucional. Sus artí ces son artistas, programadoras, DJ’s, comisarias y generan discursos críticos. Este laboratorio de base queer marca sus propios ritmos, combinando identidades múltiples y exibles para modi car las formas de trabajar con el arte. En El Palomar, el deseo es un motor para replantearlo todo. 

Marco Canevacci reside en Berlín y es fundador y director de Plastique Fantastique, una plataforma para arquitectura temporal. Nació 1970 en Roma y se trasladó a Berlín en 1991, donde estudió Arquitectura en la "Technische Universität Berlin". Durante su época de estudio, estuvo fuertemente influenciado por las particulares circunstancias que hicieron de la ciudad un laboratorio para espacios temporales.

Atlas Madrid convierte el teatro en un espacio político con 100 habitantes de Madrid. Con ellos se esboza un paisaje de personas con diferentes profesiones reclamando su posición en la sociedad, individual y colectivamente, cohesionando un tejido social. En la mitología griega, Atlas fue condenado por Zeus a soportar el cielo sobre sus hombros. En este trabajo, Ana Borralho y João Galante, pretenden construir un atlas de la organización social, una representación de los seres humanos a través de su papel en la sociedad en la que están insertos, un silencioso grito al alma dormida. Esta obra comprometida está basada en la canción infantil portuguesa que juega con la enumeración: “Si un elefante molesta a muchas personas, dos elefantes molestan mucho más; si dos elefantes molestan a muchas personas, tres elefantes molestan mucho más...”. 

Speedy clásica, eurodancesinfónico, melodías punch, blackmidi, happy slapped, termi- nal punk, humpatech, crossover thrash, no género, midtechno, hardlaptop y powermid. Estas son algunas de las etiquetas con las que se de ne la obra de Agnès Pe. Pero lo cierto es que esta investigadora se mueve más allá de las delimitaciones de cualquier género musical conocido. Su búsqueda hacia nuevas formas es constante y su universo sonoro se ha podido escuchar en el MACBA, Azkuna Centroa o en el CA2M. 

Manuel Fernández-Valdés, director de la película documental Angélica (una tragedia). Con esta instalación asistimos al nacimiento y al entierro de una obra de Angélica Liddell. El lugar en el que nació, la sala de ensayo, se convierte en su camposanto.

“En su obra ‘Todo el cielo sobre la tierra. El síndrome de Wendy’, Angélica Liddell toma el Peter Pan de J.M. Barrie para hablar de la muerte de la juventud. El centro de la escena lo ocupa una isla que representaba la isla de Nunca Jamás y la isla noruega de Utoya, donde Anders Breivick asesinó a 70 jóvenes.

Mientras Angélica ensayaba su obra yo grababa un documental sobre ella. El rodaje de la pelí- cula acabó el día del estreno de la obra de Angélica. Hasta aquí todo normal. Lo extraordinario fue que el mismo día del estreno, Angélica decidió que también sería el día del nal de la obra que yo había estado grabando. ‘Todo el cielo sobre la tierra. El síndrome de Wendy’ no se volve- ría a representar tal y como había sido lmada. La obra de Angélica Liddell sobre la pérdida de la juventud ya solo existiría dentro de una película. Y nalmente Angélica, como Wendy, tendría su propia isla de Nunca Jamás.

La mañana del estreno mundial en Viena de la obra de Angélica fui a la sala y me encontré con el iluminador repasando las luces de escena. El escenario vacío, sin actores y sin músicos. Solo él estaba allí. Le pedí que me dejara grabar su trabajo de principio a n. Cuando empecé a gra- bar, a medida que encendía y apagaba las luces de cada escena, el iluminador se puso a decir en voz alta, para sí mismo, lo que iba sucediendo en la obra. Como si fuera un cuento narrado con su luz”, Manuel Fernández-Valdés. 

Las intimistas canciones de este joven intérprete estadounidense han sonado en La piel que habito de Almodóvar y en diferentes capítulos de series como Anatomía de Grey. Una voz tímida con a nada puntería hacia nuestras emociones.

Garneau nació en Boston, aunque durante su niñez su familia se mudó a París. Después vivió en Nueva Jersey hasta que se instaló de nitivamente en Nueva York. Descubrió
su pasión por la música mientras aprendía a tocar el piano en su infancia, época que
le marcó profundamente en la simbología y temática de sus canciones. La soledad, la de nición de la sexualidad y la indefensión de los menores ante los abusos sexuales aparecen de forma constante en su obra. Comenzó a estudiar en la Universidad de Ber- klee, pero la abandonó para trasladarse a Brooklyn, donde comenzó a componer y a dar conciertos en clubs del East Village y el Lower East Side de Manhattan. Grabó su primer disco, Music for Turist, en 2006 y desde entonces ha publicado El Radio en 2009 y Winter Games en 2013.

En la atmósfera de sus canciones otan Sufjan Stevens y Antony and the Johnsons. No es extraño que la textura de su voz y los delicados susurros de Garneau frente al piano sedujeran a Pedro Almodóvar. El director decidió incluir su personal versión de Between the Bars (de Elliott Smith) en La piel que habito en 2011. Garneau se encuentra actualmen- te grabando su cuarto álbum que verá a la luz este otoño. 

MDLSX es una pieza autobiográ ca con una sola intérprete, Silvia Calderoni. La
actriz da vida a un ser andrógino que cuestiona las barreras entre géneros. Un animal en trance que el New York Times describió con pasión en su crítica: “Silvia Calderoni debe estar hecha de mercurio o algún otro elemento líquido que aún no se ha descubierto. Con seguridad ningún cuerpo de carne mortal puede someterse a las impredecibles transformaciones que consigue esta notable performer en MDLSX, un trabajo de codi cación de percepciones de Motus, la troupe del teatro revolucionario”.

El título de la obra nos remite a Middlesex, novela y Premio Pulitzer de Je rey Eugeni- des, que narra la vida de una persona intersexual. MDLSX sobre el escenario es un se- ductor himno a la libertad del devenir, al gender b(l)ending. Un canto a ir más allá de los límites del cuerpo, del color de la piel, de los órganos sexuales. Es ser más que una nacionalidad impuesta o adquirida. Es mirarnos hacia dentro hasta darnos la vuelta.

Para lograr atravesar nuestra mirada sesgada, Calderoni huye de las categorías, incluso de las artísticas, y explora sus límites apoyándose en la danza, el videoarte,
la música de The Smiths, Vampire Weekend o Yeah Yeah Yeahs y textos de literatura queer como la columna El Feminismo no es un Humanismo, rmada por Paul B. Preciado en el periódico Libération. En ella dice: “El cambio necesario es tan profundo que se dice que es imposible. Tan profundo que se dice que es imaginable. Pero lo imposible está por venir. Y lo imaginable es merecido”.

https://open.spotify.com/user/1166839908/playlist/4Gj9YkNjXIG96NSLGTYSvz

Trevor fundó junto al artista mutidisciplinar Ferran Carvajal la compañía Thorus Arts, con la que han trabajado para Barbican Theatre, la Fundació Antoni Tàpies, el festival de cine Fire!!! o la orquesta Camerata432. “La primera imagen que tengo de Trevor es la de un hombre alto con una sonrisa deslumbrante situado detrás de la silla de ruedas de Merce Cun- ningham. Desde entonces no me he separado de él”, explica Ferran, que dirige y coreografía esta pieza.